L'humeur et le blog de Martius

Un petit malin s'est amusé à compiler la filmographie de plusieurs grands réalisateurs (et aussi un studio), parmi lesquels certains que j'adore vraiment. Petite sélection.

Attention aux éventuels spoilers qui peuvent trainer (dans les videos de Fincher et Nolan). Ce sont des gros spoilers mais pas forcément très visibles.

Danny Boyle

David Fincher

Les studios Pixar

Christopher Nolan

Il y en a d'autres qui trainent sur la chaine youtube de leur auteur.

Attack the block est un film dont la bande annonce m'a franchement induit en erreur : nouveau film "par les producteurs de Shaun Of The Dead", avec Nick Frost régulièrement à l'image (l'un des membres du duo de Shaun Of The Dead, Hot Fuzz et plus récemment Paul). Je pensais voir une comédie bourrée de références au genre du cinéma qui y est traité (les aliens qui bouffent des gens). "Alors déjà non", comme dirait mon ami Paul. Attack the block est, euh, un film d'Aliens assez classique, qui a pour principale originalité de se situer dans une cité HLM londonienne. Effectivement, ça n'avait pas été fait à ma connaissance.

Alors, de ce côté là, c'est plutôt sympathique, si on arrive a accepter le langage argotique et l'accent parfois difficile (impossible ?) à décrypter pour un francophone de principaux protagonistes (c'est pratiquement comme montrer Bienvenue chez les ch'tis à un anglophone qui a fait français LV2). Le film est joliment mis en scène, l'action plutôt fun et l'heure et demi passe plutôt vite. Placer le film dans un environnement complétement inhabituel pour ce genre de film donne doit à quelques originalités qui donnent un peu de charme à certaines situations, comme l'utilisation d'armes inhabituelles, les fuites en scooter de livraison de pizzas ou les cachettes dans les poubelles. Youpi ! Mais au delà de ça, il faut bien admettre qu'on se retrouve avec un produit qui n'apporte pas grand chose de plus. Alors bon, on ne risque pas de louper grand chose si on manque ce film.

Un truc m'a quand même un peu chiffonné, dans Attack the block : la bande de p'tits cons qu'on va suivre, il commencent par racketter une pauvre voisine (ils s'excuseront ensuite, parce qu'ils ne savaient juste pas qu'elle habitait dans le quartier), casser des trucs, et faire les casseurs à la con. Bon, moi ça m'égratigne un peu quand on film ça sans autre justification que "ça représente une certaine réalité, hein ?".

Histoire de pas prendre de risque, on colle vers une heure de film un petit "toutes vos conneries entrainent des conséquences, et si les aliens vous attaquent, c'est parce que vous avez fait les cons". Et c'est tout !

Bon, c'est probablement pas nécessaire d'ajouter au film la dimension politique/sociale de La Haine (M. Kassovitz au cas où), mais là, c'est complétement absent. Tellement absent que ces anti héros plutôt rigolos banalisent un peu trop les petits actes de délinquance du début du film à mon goût.

Pour faire court : c'est sympathique, mais sans grand intérêt.

L'été 2008 a été complétement fou. Il y a eu The Dark Knight, et il y a eu Wall-E.

Je me suis toujours imaginé Andrew Staton, qui a eu l'idée de Wall-E en 1994, attendant le bon moment pour vendre son projet à la direction de Pixar. L'idée de Wall-E est arrivée assez tôt (en 1994), et pourtant, la production du film a débuté beaucoup plus tard. Il est possible qu'un tel projet n'aurait pas pu naître dans un autre studio que Pixar, car je me demande bien quelle aurait été la réaction normale d'un patron de studio d'animation qui a Disney pour principal client, qui vise généralement un public jeune quand on lui aurait parlé d'un tel projet.

Wall-E, c'est un robot, qui ne parle pas, et qui est seul sur Terre. Son rôle, c'est de nettoyer la planète, laissée dans un sale état par les humains qui ont préféré prendre la tangente. Wall-E est un film, pour tous les publics (ça veut dire, aussi pour les enfants) et pratiquement sans paroles. Sacré pari que celui de ne pas ennuyer le spectateur sans dire un mot.

C'est un pari intégralement réussi. Pratiquement pas un mot ne sera prononcé, pourtant, Wall-E n'est pas sans dialogues. L'essentiel passe par l'image et pas mal par le mixage sonore. On savait que les animateurs de Pixar savaient personnifier pratiquement n'importe quoi après avoir vu l'exploit réalisé avec Cars, mais les robots de Wall-E n'ont pas droit aux artifices de la parole pour communiquer leurs émotions. Les animateurs ont utilisé une incroyable palette d'artifices pour développer un ensemble d'émotions soignées dans les moindres détails. Le résultat : on s'attache à toutes ces petites créatures comme si elles étaient nos animaux de compagnie.

Wall-E passe son temps dans un montagne de déchets. Il est curieux de tout et s'émerveille d'un briquet, d'une fourchette ou d'un grille-pain. Nous, on s'émerveille à chacune de ses trouvailles, qui révèlent des trésors d'écriture et des gags simples et ne sont pas seulement amusants : ils sont si joliment naïf qu'ils touchent la corde sensible et font écho a des tonnes de petits éléments de la vie quotidienne, à chaque fois ça marche.

Le génie de Wall-E, c'est aussi d'avoir réussi à rendre pratiquement invisible la complexité du travail visuel : le travail est monstrueux, l'animation magnifique, et le rendu parfois plus vrai que nature. On ne se rend pratiquement pas compte que les animateurs ont pris le parti de reproduire le comportement d'une caméra : par exemple, certains mouvements imitent la caméra a l'épaule, la profondeur de champ est calculée. Wall-E est un vrai film de cinéma, et se gave de références en tous genres : de la science-fiction bien sûr, l'animation traditionnelle également, mais aussi à du Chaplin, au films romantiques, et j'en passe (parce qu'en plus, je ne suis pas bien placé pour en parler).

Je ne pourrais probablement pas trop vous parler de toutes ces références à la peinture que l'on peut voir pendant le générique (aussi travaillé que le film, c'est géant !). Par contre, les références un peu geek, plus ou moins discrètes, je n'en parle pas pour ne pas gâcher la surprise (au hasard, Pong, le son de démarrage d'un mac, Spoutnik, ...).

Avant même que l'on s'intéresse à l'histoire du film, le film a une identité super complète. C'est lyrique, c'est beau, c'est touchant, et c'est merveilleusement bien écrit. On pourrait s'arrêter au quarante premières minutes et déjà hurler que Wall-E est un chef d’œuvre.

Même si, une fois que Wall-E est parti dans l'espace, la narration redevient plus classique, il n'empêche que je suis resté émerveillé par un robot qui joue avec un extincteur, ou un autre incroyablement maniaque. Finalement, l'histoire est presque anecdotique, même si ce petit pamphlet contre la fainéantise et le gavage sans effort est loin d'être sans intérêt.

Wall-E, le petit robot laissera des traces sur son passage, et vous n'oublierez pas ce merveilleux film de si tôt. Côté cinéma d'animation en images de synthèse, la barre est placée sacrément haut, et pour l'instant, seul Pixar est en mesure de maintenir ce niveau d'inventivité et d'originalité.

Shutter Island fait partie de cette catégorie de films qui nous offre très régulièrement une pièce qui vaut le coup d'être regardée : le thriller à huis clos où le personnage principal se fait tyranniser par son entourage. L'un de ceux dont je me souviens le mieux dans cette catégorie, c'est probablement Les Autres, avec Nicole Kidman, qui offrait un twist très élégant.

Shutter Island est une histoire avant tout intéressante, qui se joue en plusieurs actes et qui ne dévoile son jeu que progressivement : si on installe très vite le décor, les murs de l’hôpital psychiatrique dans lequel le Marshall DiCaprio est envoyé ne vont certainement pas révéler immédiatement tous ses secrets. Le Marshall non plus d'ailleurs, qui semble s'intéresser à l'ensemble de l'établissement, et pas seulement à ce cas de disparition mystérieuse d'une patiente. Shutter Island est une histoire de violence et de secrets : pour comprendre les mystères de l'île, il faudra être patient et analyser finement la situation, rester sur ses gardes, comprendre qui est vraiment l'ennemi. Le Marshall sait s'y prendre : il est instinctif, minutieux et redoutable. Mais il a ses faiblesses, et l'ennemi va s'en prendre à lui bien plus violemment que physiquement. On en doutait déjà plus : Di Caprio  montre une fois de plus qu'il est vraiment un acteur brillant, et on se prend à s'attacher au personnage qu'il incarne bien vite.

Le film ne se contente pas d'adapter le livre. Scorsese lui offre une véritable identité, composée d'un beau mélange de genres : polar, thriller (bien sûr) et parfois quelques emprunts malins au drame. Le film joue habilement sur plusieurs tableaux et se permet d'être intelligent en plus d'être efficace. Chaque plan agrège des références à d'autres images, des codes de styles et des idées originales. Chaque image offerte par Scorsese est infiniment riche et sert continuellement le récit. L'histoire et l'image sont fortement liées. Elles communiquent entre elles, et donc donnent à voir un spectacle tout à fait cohérent, l'esthétique géniale du film travaille vraiment à l'impact affectif du récit.

Mais l'image et l'histoire ne jouent pas en duo : le son entre aussi dans le jeu, et on se paie le luxe d'intégrer la musique à l'histoire et à l'image, et de ne pas utiliser la moindre pièce musicale inédite. Rien n'a été composé pour le film, et pourtant, on a du mal à y croire.

Le résultat est sans appel : Shutter Island est une œuvre complexe et puissante, que l'on voudra revoir pour en comprendre tous les aspects. Et c'est d'autant plus difficile d'écrire une critique quand on ne veut pas les dévoiler. Mais si je peux prendre le risque d'en dire un peu trop : Shutter Island brise le cœur plus qu'il ne vous brisera le cerveau.

Si ce film est bien le Black Swan, alors toi, spectateur, tu es définitivement le cygne blanc, fragile, et tu luttes pour te maintenir dans un état stable, et maîtrisé. Ce Black Swan ne te laissera aucune chance de t'en sortir indemne, et tu le sauras dès la scène d'ouverture, qui te plonge à peine après un écran titre au cœur du propos : une scène, un ballet, un cauchemar.

Black Swan n'est absolument pas un film sur l'univers de la danse et des danseuses, les violences qu'elles s'infligent les unes aux autres, l’extrême difficulté de ce métier. C'est un film sur la danse : la chorégraphie, le corps de la danseuse, son art et son implication. La différence peut paraître subtile, mais implique la quasi disparition à l'écran de la troupe pour se concentrer sur Nina (Natalie Portman), la nouvelle Reine.

On ne regarde pas un film, mais un ballet, intégralement. La caméra est pratiquement toujours à l'épaule, suit les mouvements des acteurs constamment présentés dans des plans serrés. La chorégraphie de la caméra est d'une précision époustouflante et ses mouvements complexes. On peut apercevoir la quantité de travail nécessaire pour obtenir une telle image en comptant le nombre de miroirs dans le champ, ils sont omniprésents. On les filme même pour troubler la lecture des scènes au spectateur (vous allez passer du temps à vous demander si cette griffure est sur l'épaule gauche ou droite de Nina).

Les miroirs renvoient constamment à l'idée maîtresse du film : le seul ennemi de Nina, c'est elle même, sa fragilité et sa quête de perfection. On ne voit qu'elle et on la voit même plusieurs fois sur une même image. Si elle a peur de se faire voler le rôle par le cygne noir, ça n'est rien à côté de la violence qu'elle s'inflige. Tout ça résonne naturellement avec ces notions de sacrifice et d’abnégation, la mise en retrait de tout le reste sauf cette quête du sommet, de la perfection.

Black Swan nous plonge avec une effrayante efficacité dans un univers intensément violent, en permanence. Et le plus déroutant, c'est que Darren Aronofski y parvient avec des artifices particulièrement simples. La force du film est construite autour d'idées et d'images simples, mais frappantes - fracassantes, même. La vue de ces corps en souffrance, celui de Nina en tête, bien sûr, m'a rendu pratiquement malade. Malade et mal à l'aise, car ces corps servent à danser, mais aussi à avoir des rapports sexuels, qui deviennent de véritables agressions. On devient franchement obsédés par Nina, comme tout le monde : le chorégraphe, la costumière, la kiné et les spectateurs venus admirer la nouvelle tête d'affiche.

L'omniprésence de Natalie Portman nous ferait presque oublier la qualité des seconds rôles : Thomas (Vincent Cassel), Lily (Mila Kunis), Beth (Winona Ryder) et la mère de Nina (Barbara Hershey), qui témoignent de la puissance de cette histoire démentielle. Vincent Cassel, qui m'avait franchement énervé dans Mesrine (le personnage, c'était Mesrine ou Cassel ?), est ici génial, et s'efface vraiment derrière son rôle.

Le film est un ballet. La musique du Lac des Cygnes, retravaillée par Clint Mansel est géniale, et le mixage sonore aussi précis que l'image, et c'est bien normal compte-tenu de son importance.

Le cygne blanc ne peut pas résister bien longtemps face au déploiement de forces mis en œuvre dans Black Swan. C'est un film extrêmement complet qui parvient en plus à être accessible, même si la danse, c'est pas ton truc. Vraiment c'est un chef-d’œuvre. Vous devez le voir. C'est Requiem For A Dream, mais dix ans plus mature, The Prestige, mais qui remplace l'art de l’illusionniste par l'art du danseur.

Merci à Corentin de m'avoir offert le film !

Encore un Pirates des Caraïbes, ah bon. Je n'ai pas été convaincu par la première trilogie (le troisième épisode était incroyablement mauvais), même si le concept semblait assez prometteur. Bon point pour le nouveau, le couple Knightley et Bloom disparait de l'écran au profit d'une nouvelle équipe, je n'aimais pas beaucoup ces personnages, à vrai dire.

Quatrième épisode, autant dire qu'on navigue en eaux connues, et plutôt calmes. Ne vous attendez pas à la moindre surprise côté scénario : le tout est plutôt téléphoné et linéaire. Dans l'épisode précédant, les auteurs avaient cru que pour éviter un scénario creux, il fallait en mettre partout, on y comprenait plus rien. Là, c'est bon. C'est simple : trois bateaux, trois équipes, une destination : la fontaine de jouvence, le premier arrivé a gagné.

Cette épisode gagne, en contrepartie, de la substance dans les situations, et on le voit surtout dans le premier quart du film, quand les pirates sont encore sur la terre ferme (Jack Sparrow qui rencontre le roi de Grande Bretagne, ça donne une scène vraiment géniale).  On perd un peu le fil après, et on se demande bien pourquoi, là, en plein milieu, Sparrow arrive avec un cochon, qui sort d'on ne sait où. À l'échelle du film, tout ceci se traduit par moins d'effets spéciaux numériques, un côté un poil plus authentique (si on peut parler d'authenticité), et surtout, Sparrow est nettement moins agité, et franchement, moi, ça ne me manque pas du tout.

Ah mais oui, le film était projeté en 3D, j'avais oublié - je l'ai vu en 2D, et il me semble que dans l'ensemble, c'est encore bien accessoire.

Il n'y a pas beaucoup plus à dire sur le film, qui ne m'inspire pas beaucoup tant il n'y avait rien de nouveau là dedans. Au moins, on est pas trop pris en défaut et on sait ce qu'on va voir, et on en a pour son argent. En tout cas, c'est bien meilleur que l'épisode 3.

Nous sommes en 1998, Christopher est un jeune homme de 28 ans, diplômé de lettres. Il écrit des histoires, des scénarios même. Ce qu'il aime, dans ses scénarios, c'est qu'ils vont à contre courant de la logique attendue du spectateur, puisque pour chaque code de la narration ou du cinéma utilisé, il place un élément en opposition, qui va surprendre, dérouter, provoquer une réaction indéterminée au spectateur.

C'est beau d’écrire des scénarios, mais Christopher ne travaille pas dans le cinéma. Alors il va tenter sa chance avec les moyens du bord : la super 8 de papa, les économies, et les amis. Et tourner le film à raison de 15 minutes d'image à l'écran par semaine, les samedis après-midi. Son premier film lui a coûté environ 5000£. Son prochain film coûtera à la Warner environ 250 millions de dollars.

Dans Following, nous suivons Bill, un jeune chômeur qui souhaite devenir écrivain. Pour trouver l'inspiration, il se met à suivre des gens, au hasard, dans la rue. Naturellement, il se fixe des règles, parce qu'il sait que c'est une pratique bizarre, et que ça pourrait être très mal interprété. Pourtant, il ne va pas réussir à respecter la plus importante de ses règles : jamais deux fois la même personne. Et c'est ce qui va le conduire à rencontrer Cobb, un cambrioleur, qui va lui donner beaucoup d'histoires à raconter.

Nous suivons Bill de très près. On l'espionne presque, comme il espionne les gens. La narration n'est pas linéaire, l'histoire nous est présentée dans le désordre, histoire de comprendre comme c'est désagréable d'être un voyeur qui ne peut pas voir à travers les murs, à qui il manque un bout de l'information. On ne quittera pratiquement jamais le point de vue de Bill, à deux exceptions près, pour rééquilibrer le rôle du spectateur-voyeur. Après tout, le voyeur profite d'un léger avantage sur le suivi : il a un plan plus large et voit ce qu'il y a dans le dos de l'homme observé.

La narration n'est pas linéaire, mais pas désorganisée pour autant. Pour chaque lieu, chaque moment, et chaque situation, Christopher placera dans le champ de sa caméra (il filme lui-même) un repère pour le spectateur. Il ne faudrait pas qu'il s'égare. D'ailleurs, ce repère est toujours bien visible, et pourtant pas toujours montré avec évidence, ça rend le spectateur heureux d'avoir utilisé un peu son cerveau, il ne s'endort pas, et se sent malin de ne pas être perdu. Enfin, je parle de repère, mais je devrais probablement plutôt parler de diversion, un peu comme le ferait un illusionniste, puisqu’on manque bien d’autres repères.

Naturellement, on ne peut pas s'attendre à des scènes visuellement impressionnantes compte-tenu du budget du film. D'ailleurs, l'image tremble parfois, la lumière n'est pas toujours idéale et c'est en noir et blanc. Peut-être aussi parce que Christopher est daltonien, d'ailleurs. Mais l'image capricieuse de Following ne fait pas décrocher, puisque l'histoire est vraiment prenante. Le personnage de Cobb a plus d'un tour dans son sac, et n'est pas juste un cambrioleur. Il est un peu voyeur lui aussi, à sa manière. Il aime faire savoir qu'il est entré dans la vie des gens, en jouant avec leurs petites affaires, celles sans valeur. Il aime l'ironie et le montre régulièrement à Bill, en s'amusant à cacher des sous-vêtements d'un précédant vol dans l'appartement suivant, pour créer un peu d'animation dans le couple cambriolé.

Christopher joue avec nos réactions comme Cobb joue avec celles de Bill : il cherche à le surprendre, mettre des doubles sens dans ses phrases (regardez le film deux fois - au moins), et à nous faire suivre une voie pour mieux nous prendre par surprise. Et c'est complètement réussi.

Following, c'est le premier long métrage de Christopher Nolan. Que vous connaissez pour ses films suivants.

Bill et Cobb, ce sont les deux faces d'une même pièce, ce sont les deux Nolan. Le Nolan fan et inspiré : l'appartement de Bill est plein de références à Kubrick (des images de Shining sur le mur, un autocollant de Batman sur la porte de son appartement). Cobb, c'est le Nolan malin qui sait te piéger, qui a une longueur d'avance sur toi et qui t'embarque dans son jeu sans vraiment te laisser l'occasion de t'en sortir.

Following, c'est t'annoncer la couleur de ce que Nolan va nous offrir après ce film. Il nous offre des polars qui sont en mesure de nous impliquer émotionnellement, sans jouer gratuitement sur la corde sensible (Memento, Insomnia). Il veut écrire et réaliser des films pour qu'on devienne aussi fans que lui de ces personnages qu'il aime (Batman Begins, The Dark Knight, The Dark Knight Rises). Nolan joue sur l'illusion, la prestidigitation, utilise les codes du cinéma, de la narration et joue avec le temps de l'histoire pour nous coincer, pauvre spectateur sans défense (Memento, Le Prestige, Inception). Des films avec un personnage qui s'appelle Cobb (Following et Inception, du coup). Et surtout, des films qui marquent, qui font tourner le cerveau en boucle pour nous faire comprendre comment on s'est fait avoir (comme après un tour de magie), pendant qu'on calme tranquillement toutes ces émotions qui passent à travers l'image, et ça, c'est valable pour tous ses films.

Christopher Nolan, qui sait s'entourer d'une famille qui apporte beaucoup dans son travail (son frère, sa femme, en particulier), est très certainement mon réalisateur préféré. Mais pas simplement parce qu'il a écrit, produit et réalisé quelques-uns des plus gros blockbusters de ces dernières années, mais parce que c'est un réalisateur qui offre un cinéma de fan, pas un cinéma d'expert. Et que je suis un fan de cinéma, pas un expert.

À titre d'avant propos, ce film n'a rien à voir avec Super 8, dont je vous ai parlé un peu plus tôt. Super, c'est çà.

D'abord, il y a eu Spiderman. Le jeune trouduc' à l'air benêt qui devient un super-héros, à la suite d'un fâcheux concours de circonstances, et qui va se servir de son grand pouvoir pour prendre ses grandes responsabilités. Et pour chopper MJ. On a montré au grand public que le super-héros pouvait ne pas être super hype, avoir dix ans d'âge mental, et la maturité sentimentale d'une huitre.

Là, arrive Nolan, qui t'explique que non, un super-héros n'a pas nécessairement de super-pouvoirs. Il suffit juste de représenter "le monde réel" avec un verre déformant et polarisant sur les éléments qui nous arrangent (Bruce a quand même l'argent et l'incroyable force mentale qui remplace avantageusement le super pouvoir) pour botter les fesses du crime et de la corruption.

Ensuite, on passe directement à Kick-Ass, qui va un peu plus loin, puisqu'on casse le contexte pour quelque chose de moins générique : maintenant le Geek est affirmé, et le concept de super-héros est déjà intégré au monde dans lequel le film évolue (un peu comme si dans un film de Zombies, les gens avaient vus les Romero's et lus The Walking Dead, ou même d'autres, et donc sont pas cons, ils savent très bien qu'il faut viser la tête et pas se faire mordre). Fini le personnage hors du commun : ado mal aimé même par ses deux potes du club des nerds, qui ne choppe pas la fille, et tout ce qui va avec. Concrètement, notre super-héros est un super-loser. Cependant, Super-loser vit dans un monde où il n'aurait pas pu déposer le brevet du Vengeur Masqué, puisqu'il n'est pas le seul en ville, que la concurrence est très efficace, et qu'en plus, il y a bien le super-méchant qui va avec. Alors même en étant super-inutile, on se bat contre le crime avec l'intégralité des codes du super-héros, plus un clin d’œil sauce mise-en-abyme qui contribue franchement à rendre ce film énorme (en plus du fait que ce film est déjà énorme pour plein de raisons).

Super n'est pas la version low-budget de ceux-là, c'est un film qui prend le parti d'aller encore plus loin. Le nouveau crime-vigilenty est un loser dans tous les sens du terme : il est bête, fauché, en bas de l'échelle sociale et en plus, il se fait piquer sa femme par le Bad Boy du coin. Wait a minut... Mais cet idiot du village est quand même marié à Liv Tyler hein, c'est pas un p'tit joueur. Mais justement, elle se lasse du looser, et lui reste bien trop accroché à elle.

Donc là, c'est tellement la lose que monsieur n'a plus aucune confiance en lui : il n'ose même pas assumer l'adoption d'un lapin. Le pauvre va trouver refuge dans de la propagande pour mauvaise-bondieuserie (qui n'est peut être pas si caricaturale de que qu'on peut trouver outre Atlantique) et prendre conscience qu'il doit être un prophète des règles. Que dois-je faire ? Prier. Et là, crise de mysticisme et troubles mentaux font le reste, Super-Chrétien lui apparait dans une vision, et Dieu lui-même lui ordonne de devenir un super héros.

Je n'en dirait pas plus, car il faut maintenant voir le film et laisser la mayonnaise prendre. Mais, wahou, elle prend bien. On sait maintenant que ce n'est pas un film de super-héros, mais un film qui montre un extrait de la vie d'un psycho-socio-quelquechose-pathe. Qui combat donc un drôle de crime, avec une psycho-rigidité flippante ("il y a des règles établies depuis longtemps, c'est pas pour rien : on respecte les règles, on ne vend pas de drogue et on ne bat pas un enfant, ..."). Naturellement, tout pousse ce névrosé à rencontrer des gens au moins aussi troublés que lui, comme le nouveau mec de sa femme, un gros dealer d'héroïne (super-vilain tout désigné), une jeune fille fan de comics qui n'avait besoin que d'un tout petit coup de main pour plonger dans ce monde parallèle des super-héros (en fait, devenir vraiment folle). Et puis, sa femme non plus n'est pas nette, après tout. C'est intelligent, mature, osé et finalement, c'est une comédie qu'on a réussi à construire sur un sujet bien délicat: un sociopathe qui devient psychopathe, et perd la raison. On parle bien d'un film sur la folie. À moins que... n'est-ce pas une histoire de cœur ? L'histoire d'un homme qui veut jouer un rôle dans un monde qu'il traverse sans vraiment l'intégrer (cette scène où il demande à Dieu pourquoi il est aussi inutile : impressionnante) ?

La conclusion de cette critique comme du film laisse certainement la question ouverte. À moins que...

Aujourd'hui on va à nouveau parler de cinéma, cette fois avec Unknown, ou Sans identité en France. Un film avec Liam Neeson.

Unknown m'était donc vendu comme le parfait mélange entre "Jason Bourne et Taken". Donc, comme je suis un fan de la trilogie Jason Bourne (chef d’œuvre du cinéma d'action et d’espionnage, du pur produit hollywoodien qui réussit à ne pas être con, trop bien !) et que j'ai trouvé Taken plutôt cliché et par moments complétement stupide (si tu veux je reviens dessus dans cinq minutes), je pense que je vais voir Jason Bourne vidé de sa substance : le rythme qui claque, le complot "en interne", le traitement ultra-crédibilisant (on veut presque la jouer documentaire avec Bourne, surtout quand Greengrass prend les commandes pour les deux derniers). En fait, je ne me suis pas trompé : enlève le cadre très clean de l'histoire Bourne (même si bon, y'a des lacunes, parfois), et remplace le par un prétexte un peu branlant avec lequel le film est construit. Oui, tu vas devoir t'y faire, même si ça sent déjà pas très bon, dès les premières minutes, tu vois à la tête de sa jolie femme que c'est louche, tout ça (mais en même temps, tu sais quel film tu regardes, alors c'est biaisé).

Maintenant que j'ai un peu cerné le produit, je modère un peu mon propos. On échappe quand même au pire : Taken utilise la traite des femmes (rien que ça) pour faire un divertissement d'action, c'est pas très fin, c'est même à peu près un sujet qu'on devrait laisser à Gaspar Noé. Là, dans Unknown, on s'en sort quand même : sans spoiler, l'intrigue est très convenue, mais on va quand même pas chercher dans le méga glauque simplement parce que comme ça Liam Neeson (qui s'en sort avec la mention "honorable" dans les deux films) va pouvoir donner quelques tatanes à des grosses brutes de l'est (si si, et dans les deux films, oui monsieur).

En clair, Unknown est très attendu, très convenu et sans grand intérêt. En plus, moi, mes enseignants chercheurs, ils ont pas l'air d'avoir le même charisme et le compte en banque que M. Martin Harris (lis le pitch du film si tu veux comprendre) et surtout, ils savent certainement pas conduire un taxi comme Jason Bourne, et ça, ça aide pas à crédibiliser le film. En fait, à force de voir des enchaînements de scènes qui font écho aux deux références citées plus tôt, on à une grosse impression de déjà vu, mais sans l’excitation que pouvait procurer les originaux. Conclusion, comme l'a très bien dit la critique d'excessif, le film est... sans identité (hohoho).

En plus, pour les trois Bourne, à l'écran, l'image est précise (la lumière, les couleurs, les plans sont maîtrisés), le traitement de l'intrigue est froid (on ne veut pas appuyer le côté mélodramatique de l'intrigue par la réalisation). En fait, on rend compte de la mécanique interne du personnage : c'est jamais de la chance, toujours du talent, du calcul, de la précision. Dans Unknown, tu sais jamais, il est fort ou juste veinard ? Si l'image doit être le reflet de la mécanique du personnage, alors ce dernier est très bien fait mais on voit que c'est de la synthèse (on a vraiment besoin de 3D pour qu'un tram et une voiture se percutent ? c'est bien trop visible), ou alors il est clairement exagéré (cette séquence quasi-finale qui devrait être dans l'obscurité, où tout ce que tu vois, c'est que la scène est tournée en noir-et-bleu, parce qu'une nuit américaine, c'est plus simple en post-prod), ou parfois, un peu kitsch (oh oui, un peu de slow-motion quand il a l'accident de voiture, j'ai bien aimé quand ils l'ont fait dans Inception -- pas besoin d'avoir une bonne raison pour faire un effet-spécial gratos).

Et puis tu te dis pratiquement à chaque séquence : "Oh eh ! Ce truc là, il l'a complétement piqué à [Jason Bourne] !" (ça marche avec beaucoup trop de films, tu peux mettre beaucoup d'autres exemples dans les crochets). En fait, on sent l'influence, et on sent aussi le manque qu'inspiration. Vraiment, sans identité tout ça.

En 2004, Michel Gondry a définitivement mis fin à la relation déjà très superficielle que je pouvais entretenir avec la comédie romantique. Eternal Sunshine of the spotless mind m'a tout simplement montré que ce genre cinématographique pouvait se passer des ingrédients publicitaires à destination du public féminin et offrir à un tel film un fond et une forme inédite. C'était pour moi une sorte de rappel à l'ordre : le cinéma qui traite des sujets simples ne doit pas nécessairement être du cinéma facile. Je ne pense pas avoir réellement apprécié une comédie romantique depuis.

Critique de rattrapage (j'ai vu ce film en 2005 pour la première fois).

D'abord, il y a cet antagonisme avec les clichés qu'on nous sert depuis des années au cinéma : pas de grande ville, pas de robe de marque, pas de fille qui fait du shopping, pas de cheval blanc, (... - Je ne parle pas que de Sex And The City). Eternal Sunshine of the spotless mind montre ce qui ressemble le plus à ce que je connais du couple : deux personnes très différentes liés par des sentiments forts et qui cherchent à construire une histoire ensemble. Joel et Clementine (le couple) s'empoisonnent l’existence avec leurs jugements de valeur à dix balles, leur caractère de chien (une vite-fait-instable et un handicapé des sentiments, mélange détonnant !). Le propos est suffisamment juste pour qu'on y adhère avec une pensée en voix-off et cinq secondes de mise en scène. Le processus est répété régulièrement, et l'exemple que je préfère est celui où les deux dinent dans un restaurant asiatique : il pense qu'elle va devenir désagréable dès qu'elle aura fini sa bière, et elle ne manque pas de lui rappeler que les poils dans la douche, c'est pas glamour. Mon Dieu que c'est vide, mais mon Dieu que c'est aussi un peu ça, un repas de couple. Définitivement amoureux, mais définitivement loin de l'utopie du couple en harmonie (et utopie est un mot qui colle vraiment bien).

Ensuite, Eternal Sunshine of the spotless mind est un vrai film de cinéma : Charlie Kaufman (scénariste de Being John Malkovich) produit une mise en abyme/abîme complexe, casse le temps du récit et construit l'histoire sans jamais coller à un rythme donné. C'est plutôt osé, parce qu'il faut bien reconnaitre que la première fois, on y comprend pas grand-chose à moins d'être attentif aux détails (astuces ?) qui lient les différents moments du récit, et que les moins sentimentaux d'entre nous se lasseront probablement un peu vite de cet empilement de tracas quotidiens. Finalement, la richesse du film repose peut-être un peu sur certaines ficelles qui sont nécessaires pour ne pas rendre l'ensemble trop chaotique.

Enfin, le travail de Gondry, que je ne connaissais pas avant, est tout simplement génial. On a vu ce qu'il pouvait faire ensuite avec La science des Rêves et Be Kind Rewind (qui manquent malheureusement cruellement de rythme selon moi) : c'est un univers d'effets spéciaux à base de ficelles et bouts de carton, j'adore. Eternal Sunshine est un film qui a ce côté artisanal, qui rappelle l'époque où le cinéma était proche de la prestidigitation (soyons fou, faisons un rapprochement avec Le Voyage dans la Lune de Méliès puisque c'est une référence qu'on pourra à peu près tous identifier). C'est un trésor d'inventivité : Gondry a une palette d'effets visuels ultra variés et ne manque pratiquement jamais de les choisir avec suffisamment de précision pour qu'ils prennent un sens et s'attachent à l'histoire.

En conclusion, le film doit pouvoir s'acheter pour moins de 10€, et même les plus gros détracteurs de Jim Carrey (ou de la comédie romantique) devraient au moins faire l'effort de voir celui-ci. D'ailleurs, le seul autre film où j'ai trouvé Jim Carrey aussi bon, c'est The Truman Show, et on peut assez facilement faire un parallèle entre les deux films.